Het fotograferen van kunstwerken lijkt misschien een eenvoudige taak, maar het is vaak moeilijk om het goed te doen. Er zijn technische obstakels die moeten worden overwonnen, zoals het bereiken van een gelijkmatige belichting, het vermijden van reflecties, nauwkeurig scherpstellen, het kiezen van het juiste diafragma, enzovoort. In dit artikel geef ik je enkele tips voor het fotograferen van kunstwerken die het proces veel gemakkelijker maken!
Detail uit ‘The Ninth Wave’ (1850) van Ivan Aivazovsky. Russisch museum, Sint-Petersburg.
Tips voor het fotograferen van kunstwerken
De tips die ik ga geven, hebben meestal betrekking op 2D-kunst, dat wil zeggen schilderijen, tekeningen of prenten in welke vorm dan ook. De meeste heb ik gefotografeerd, variërend van grote olieverfschilderijen in nationale musea tot antieke krantenillustraties thuis.
Ik zal ook een paar tips geven over het fotograferen van sculpturen. Het maken van succesvolle afbeeldingen van 3D-kunst is niet altijd eenvoudig.
witbalans
Bij het fotograferen van kunstwerken is witbalans niet objectief - er moet een creatieve beslissing worden genomen. Wil je de kleur van de kunst behouden zoals je die ziet of moet je deze neutraliseren en het wit wit maken? Word je historicus of restaurateur?
Ik kon de witheid en de originele kleur in deze Victoriaanse krant met een enkele klik herstellen, maar met een grijskaart heb ik de 125 jaar oude staat gereproduceerd. Verlichting is daglicht van bovenaf.
Papier en verf verkleuren naarmate ze ouder worden, meestal met vergeling. U moet dus beslissen of u wilt kopiëren wat u ziet of de klok terug wilt draaien. Dat is ervan uitgaande dat u gelijk heeft in uw aannames over de originele kleur.
Om de witbalans te 'corrigeren', zijn er twee belangrijke benaderingen:
- Om wit wit te laten lijken: kies een gebied in het kunstwerk dat neutraal van toon moet zijn - bij voorkeur middengrijs als dit bestaat. Door met een witbalans-tool op dit gebied te klikken, egaliseert u de RGB-waarden en, met een beetje geluk, corrigeert u de kleur in de rest van de afbeelding. Er ontstaan problemen wanneer het kunstwerk op sommige plaatsen ouder is dan op andere, waardoor er lelijke gele vlekken ontstaan wanneer u een witbalanscorrectie uitvoert.
- Om tekenen van veroudering te behouden: gebruik een grijskaart om te corrigeren voor het licht dat de kunst verlicht, waardoor de bestaande kleur van het kunstwerk behouden blijft, inclusief tekenen van veroudering. Er zal nog steeds een kleine kleurverschuiving optreden, aangezien het uiterlijk van alle objecten wordt beïnvloed door het licht waar ze onder vallen. Maar je behoudt de algehele uitstraling van ouderdom. Je kunt de foto altijd een beetje opwarmen als je de antieke look wilt benadrukken.
Een derde optie, als je geen neutrale tinten in de afbeelding of een grijskaart hebt, is om met kleurtemperatuur- en tintschuifregelaars te spelen totdat je denkt dat de witbalans correct is. Het corrigeren van kleur door het gezichtsvermogen is echter wisselvallig en nooit zo nauwkeurig als het gebruik van cijfers.
Een ding dat we van sneeuw weten, is dat het er beter wit uitziet. Door kunstlicht en / of veroudering komt dit schilderij geel uit op een foto. Een witbalans-tool herstelt het snel, hoewel het moeilijk is om altijd te weten hoe een schilderij er vers uitzag. Kunstenaar: Ferdinand Schmidt (c1900), La Piscine Museum, Roubaix.
De lichtbron maakt een enorm verschil voor de witbalans. Vermijd gemengd licht indien mogelijk. In musea vind je schilderijen niet vaak onder gemengde lichtbronnen, maar hetzelfde geldt niet voor beeldhouwkunst. Een mengsel van warm kunstlicht en raamlicht veroorzaakt sterke oranje of blauwe kleurzweem in lokale delen van de foto. Dit kan moeilijk zijn om mee om te gaan tijdens de nabewerking.
Kunstmusea hebben de neiging schilderijen niet onder gemengd licht te tonen, maar je kunt sculpturen bij een raam vinden. Dat resulteert vaak in blauwe highlights en oranje schaduwen. Beeldhouwkunst: Epicurus en Metrodorus, Louvre.
Kleurcorrectie, DNG-profielen, lichtbronnen
We hebben het gehad over het corrigeren van de witbalans bij het fotograferen van illustraties, maar je kunt kleurcorrectie verder gaan dan dat. U kunt ook corrigeren voor de kenmerken van de lichtbron.
Fluorescerende en LED-lichtbronnen zijn energiezuiniger dan oude gloeilampen en geven geen warmte naar buiten door. LED-verlichting is tegenwoordig heel gebruikelijk in kunstmusea. En toch is het licht vanuit fotografisch oogpunt van mindere kwaliteit dan dat van halogeen.
Moderne lichtbronnen zenden een onderbroken of smalbandig spectrum uit, wat betekent dat ze kleuren inconsistent en soms helemaal niet over het zichtbare spectrum weergeven.
Kunstmusea en galerieën gebruiken één lichtbron om schilderijen te verlichten. Het kan diffuus bovenlicht zijn of schijnwerpers op een railverlichtingssysteem. Foto door Riccardo Bresciani via Pexels
Tot op zekere hoogte kunt u de kwaliteit van led- / fluorescentielampen beoordelen aan de hand van hun CRI-classificatie. Je hebt 90+ nodig als je ervoor winkelt, maar een hoge beoordeling betekent niet dat ze gelijk zijn aan traditionele lichtbronnen. De CRI-test is een milde, niet-gestandaardiseerde test met een paar kleurvlakken, dus het verschil tussen 95% en 100% is groter dan de cijfers suggereren. Gloeilampen en halogeenlampen scoren standaard 100%.
Een manier waarop u de kleur in uw foto's kunt verbeteren wanneer u kunst fotografeert onder moderne lichtbronnen, is door een DNG-profiel te maken. Hiervoor gebruik je een product als de X-Rite Color Checker en X-Rite- of Adobe-software. U past dit profiel vervolgens toe in de fase van de onbewerkte conversie als de software dit ondersteunt.
Deze pagina uit een antiek WO1-geschiedenisboek wordt duidelijk van rechts verlicht. Merk op dat de X-Rite Color Checker neutrale vlakken bevat voor het corrigeren van de witbalans, evenals kleurvlakken voor DNG-profielen.
Als u met het oog probeert te corrigeren voor LED- of TL-verlichting, heeft u waarschijnlijk de "tint" -schuifregelaar in onbewerkte converters nodig. Deze lichtbronnen variëren sterk in hun output langs een groen tot magenta as. Oude gloeilampen gedragen zich niet op dezelfde manier - hun output zit altijd langs de oranjeblauwe Kelvin-schaal.
Raamlicht - voors en tegens
Deze oude advertentie was buiten te zien. Hoewel de kleurtemperatuur van daglicht varieert, geeft geen enkele andere lichtbron de kleur zo volledig weer over het zichtbare spectrum. KattenKabinet Museum, Amsterdam.
U zult daglicht nooit verslaan vanwege zijn vermogen om alle kleuren van het zichtbare spectrum met weinig vooringenomenheid weer te geven. Het is een ideale lichtbron voor kunst. Het enige probleem is dat je het niet erg goed kunt beheersen. Als u raamverlichting gebruikt om een kunstwerk te fotograferen, zal de belichting waarschijnlijk van links naar rechts ongelijk zijn. Er kan een stop zijn of meer verschil. U kunt dit terugbrengen tot ongeveer een halve stop of minder als u een reflector gebruikt.
U kunt de belichting natuurlijk zelfs tijdens de nabewerking verhogen. Een ding dat u kunt doen, is een blanco kaart of stuk wit papier fotograferen onder hetzelfde licht, waardoor ongelijke belichting duidelijk wordt wanneer u het op de computer ziet. Gebruik wat je daar ziet om andere foto's tijdens de shoot te corrigeren.
Als u een ansichtkaart bij raamlicht fotografeert, wordt ongelijke belichting duidelijker als u deze omdraait. De rechterkant van deze foto is 25% helderder dan de linkerkant.
Gebruik aanpassingsborstels, lagen en laagmaskers of een gegradueerd filter met neutrale dichtheid om ongelijke belichting over een afbeelding te corrigeren. Lokale aanpassingen op de afbeelding, zoals die in DxO PhotoLab, zijn goed. Een gegradueerd filter is een vlotte manier om ermee om te gaan, maar je kunt net zo goed borstels met veel bevedering gebruiken.
Perspectief: kunst positioneren voor een foto
Wanneer u een 2D-kunstwerk fotografeert, plaatst u het plat tegen een muur of tafel en probeert u de camerasensor er perfect op uit te lijnen. Anders zie je hetzelfde 'keystone'-effect dat je krijgt met architectuur, waarbij verticale lijnen uiteenlopen. Het onderwerp van de kunst zal enigszins vervormd zijn als je het vanuit een hoek bekijkt, maar niet altijd in de mate dat iemand het zal opmerken.
Een manier waarop u een camera kunt uitlijnen met kunst, is door op beide een waterpas te gebruiken. Test het oppervlak waar de kunst tegen aan ligt om te zien of het vlak is, en maak indien nodig aanpassingen met rekwisieten (net zoals je zou doen met een tafelpoot op een ongelijke vloer). Doe hetzelfde met de camera, gebruik een waterpas op de flitsschoen of rust op een plat deel van de camera op een statief. Het hoeft er niet professioneel uit te zien als het zijn werk doet.
Idealiter wilt u dat de camera zich op dezelfde hoogte bevindt als het midden van de foto wanneer u kunst fotografeert. Ik heb het niet slecht gedaan met deze handheld-opname, hoewel hij naar rechts enigszins wankel is (aan de muur gemonteerde schilderijen kunnen aan de bovenkant enigszins kantelen). De correctie zal gematigd zijn. Kunstenaar: Lucien Jonas (1880-1947), La Piscine Museum, Roubaix.
Waterpassen variëren in nauwkeurigheid, maar u zult snel zien of uw methode werkt of niet met rechthoekige illustraties. Als dit het geval is, worden de horizontale en verticale randen uitgelijnd met de hoeken van 90 graden van uw foto. Als je niet op de hoogte bent, zul je het lichte keystone-effect zien.
Maakt dit uit? U kunt perspectief corrigeren in bewerkingssoftware, maar alleen met verlies aan scherpte van rand tot rand.
Hoe minder u hoeft te corrigeren, hoe beter.
Gebruik waterpassen samen met loodrechte lijnen in het kunstwerk om het best mogelijke perspectief te krijgen. Zware correcties voor keystone achteraf hebben een nadelig effect op de beeldkwaliteit, die al dan niet merkbaar is afhankelijk van het beoogde gebruik.
Als je alleen maar een foto van een schilderij op Facebook deelt, hoef je niet kieskeurig te zijn over het uitlijnen van illustraties en camera. Het gebruik van voldoende scherptediepte compenseert kleine scherpstelfouten en niemand zal je oppikken op imperfecte verticals! Aan de andere kant, als je kunst online verkoopt, wil je je best doen met de foto's.
Lenskeuze en scherptediepte
Een goede lenskeuze voor het fotograferen van kunst is een 50 mm of 100 mm prime-lens met behoorlijke close-focusmogelijkheden. Veel mensen gebruiken macrolenzen, niet in de laatste plaats omdat ze op korte afstand zeer weinig vervorming veroorzaken. Een zoom van hoge kwaliteit is voldoende bij ongeveer portretlengte.
Je hoeft geen klein diafragma te kiezen bij het fotograferen van 2D-kunst, omdat je niet veel scherptediepte nodig hebt. Door de lens twee of drie stops te sluiten tot f / 8 levert dat vaak een optimale scherpte op, terwijl veel meer dan dat de scherpte door diffractie vermindert.
Scherpstelnauwkeurigheid en liveweergave
De meest nauwkeurige manier om op bijna alles scherp te stellen, is ongetwijfeld door uw camera op een statief te zetten en de livebeeldmodus met handmatige scherpstelling te gebruiken. Onnodig te zeggen dat het niet zo goed werkt voor bewegende onderwerpen, maar het is de perfecte techniek voor kunstwerken.
Het gebruik van livebeeld werkt goed voor 2D-onderwerpen, maar is niet cruciaal, tenzij u perfecte scherpte wilt. Je stelt adequaat scherp door een optische zoeker en laat de scherptediepte voor kleine fouten zorgen.
Voor 3D-onderwerpen zoals standbeelden is livebeeld van onschatbare waarde. Het lost problemen op zoals veldkromming, onnauwkeurige focusschermen of focuspunten en verkeerd uitgelijnde spiegels en sensoren.
Ik ben nog lang niet klaar om hier een foto te maken, maar ik zet een antieke ansichtkaart in livebeeldmodus op het statief. Een probleem met platte kunstwerken is om ze plat te houden voor de foto. U kunt stukjes afplaktape van hoge kwaliteit gebruiken en ze daarna klonen, maar pas op dat u bij het verwijderen niet het papieroppervlak scheurt.
Technische problemen maken het vaak moeilijk om kritische scherpte te bereiken waar je die nodig hebt in beelden - meestal het gezicht en de ogen. Je merkt dit misschien niet, tenzij je 100% inzoomt op je foto's, maar het is gemakkelijk om iets anders scherp te stellen, vooral bij grote beelden waarbij je naar boven schiet.
U kunt niet vertrouwen op scherpstelpunten of technieken voor focus / herfocussering, aangezien deze niet altijd werken. Livebeeld en handmatige scherpstelling verhelpen dat.
Reflecties vermijden
Wanneer u een foto maakt van 2D-kunst achter glas, zijn reflecties een van de grootste hindernissen.
Soms is het gemakkelijker om naar een ander onderwerp te gaan, maar er zijn manieren om reflecties in uw kunstfoto's te vermijden. Hier zijn er een aantal:
- Gebruik geen directe flitser op de camera. Het creëert een afschuwelijke hotspot in het glas die achteraf onmogelijk te verwijderen is.
- Gebruik gerichte lichtbronnen vanaf de zijkant - bij voorkeur twee op gelijke afstand (één aan elke kant van de kunst). Niet-gericht licht is zachter, maar veroorzaakt weerkaatsingen van andere voorwerpen in de kamer.
- In een museum kan het dragen van zwarte kleding helpen bij het fotograferen van kleine kunstwerken, omdat het minder wordt weerspiegeld en het licht van andere lichtbronnen absorbeert.
- Laat vrienden of familieleden in donkere kleding naast de kunst staan en reflecties blokkeren.
- Gebruik een groot zwart gaasdoek / scherm en duw je lens erdoorheen om het object te fotograferen - dezelfde redenen als zwarte kleding, maar dan effectiever.
- Gebruik een polarisatiefilter om veel van de schittering weg te nemen (verlengt de belichtingstijd of ISO, dus niet ideaal voor opnamen uit de hand in donkere musea).
- Maak een kleine hoek om reflecties te verwijderen en pas het perspectief aan tijdens de nabewerking. Als u dit overdrijft, neemt de scherpte van rand tot rand merkbaar af.
- Bestudeer het kunstwerk zorgvuldig op reflecties die misschien niet meteen duidelijk zijn - ze hebben de gewoonte om meer op te vallen op een pc.
Textuur vastleggen
Als je textuur wilt vastleggen in een kunstwerk (bijv. Olieverfschilderij), is het laatste wat je wilt een diffuse lichtbron zoals een fluorescerende lamp. Wat je nodig hebt, is een gerichte lichtbron vanaf één kant.
Bij olieverfschilderijen betekent onthullende textuur meestal dat er wat licht in de lens reflecteert, wat storend kan zijn. Het is een kwestie van het effect regelen, zodat spectrale hooglichten het beeld niet verpesten. Een polarisatiefilter helpt zolang het andere opnameparameters niet onbruikbaar maakt.
De reflecties in dit oliegeschilderde portret benadrukken de textuur, maar leiden af. Zoals alle spectrale hooglichten, moeten reflecties in kunst subtiel zijn en uit de buurt van brandpunten worden gehouden.
Merk op dat LED-verlichting van nature gericht is. Je kunt thuis improviseren door LED-smalstralende G50-spots of iets dergelijks op te zetten. Anders kunt u diffuus kunstlicht of flitslicht regelen met modificatoren zoals een snoot.
Er zijn maar weinig kunstenaars die verf dikker of wilder hebben neergezet dan Vincent van Gogh. Je kunt in dit detail licht zien weerkaatst op een van zijn schilderijen, maar het is subtiel genoeg om geen afbreuk te doen aan het grotere geheel. Foto van rawpixel.com / Yale University Art Gallery (Bron)
Kopieerstandaards, lichttafels en lichttenten
Als u vrij kleine kunstwerken fotografeert, kunt u uiterst professioneel zijn door apparatuur te gebruiken die voor de klus is bedoeld. Persoonlijk vind ik het leuk om geld te besparen door Heath Robinson-methoden te gebruiken, maar niet alle uitrusting die ik ga noemen, is duur. Ik zou mezelf zelfs kunnen overhalen om er wat van te kopen …
Kopieer staat
Kopieerstandaards bevatten een voet, twee lampjes, een zuil en een arm om de camera vast te houden. Ze zijn ideaal voor het fotograferen van grote hoeveelheden platte kunst omdat ze klaar zijn voor gebruik, terwijl het opzetten van een statief, camera en verlichting tijd kost. Kopieerstandaards kosten meestal rond de $ 200, maar u kunt ze voor minder dan de helft tweedehands ophalen.
Lichte tafels
Lichttafels worden vaak gebruikt om productfoto's te maken met een heldere, egale witte achtergrond. Je zou er net zo goed een kunnen gebruiken voor kleine kunstwerken en ornamenten. Een kopieerstandaard is een betere keuze als u platte kunstwerken zonder achtergrond wilt opnemen.
Lichte tent of kubus
Lichte tenten zijn meestal vijfzijdige kubussen die bij elkaar worden gehouden door draad of plastic frames. De zijkanten zijn gemaakt van een doorschijnend materiaal dat diffuus licht doorlaat. Er worden ook diverse achtergronden meegeleverd. Sommige tenten hebben een opening in de bovenkant waarmee je de lens naar beneden kunt richten. Dit is ideaal voor het fotograferen van kleine, platte kunstwerken.
Je hebt een gelijkmatige belichting nodig voor platte kunst, dus lichten van dezelfde sterkte en afstand aan weerszijden van de tent zijn goed. Bij sculptuur zorgt ongelijke belichting voor modellering en benadrukt het de vorm, waardoor de opstelling anders is.
Lichte tenten kunnen gemakkelijk thuis worden gemaakt door een eenvoudig frame te construeren en dit te bedekken met doorschijnend materiaal. Foto: Alison Christine uit North Yorkshire, VK (CC BY 2.0) via Wikimedia Commons
Lichttenten zijn vaak goedkoop in aanschaf, in tegenstelling tot lichttafels en kopieerstandaards. Ze zijn vaak ook dun, maar ze zijn het proberen waard voor een paar dollar. Geen enkele kijker zal ooit de techniek in twijfel trekken of hoeveel je aan uitrusting hebt uitgegeven als de foto werkt.Waarom kunstwerken fotograferen in plaats van ze te maken?
Het fotograferen van de kunst van anderen lijkt misschien zinloos, maar het is een nuttige oefening om je creatieve oog te ontwikkelen. Dat is vooral het geval als je delen van een schilderij of sculptuur isoleert, wat je dwingt om kunst van dichtbij te bestuderen. Er zijn vaak meerdere afbeeldingen in een afbeelding.
Binnen grotere schilderijen zie je prachtige details. Hier leidt een jong meisje zichzelf af met bloemen terwijl ze zich mogelijk een beetje verveelt aan een bruiloftstafel. Kunstenaar: Albert Fourié (1854-1937), Musée des beaux-arts de Rouen.
De enige activiteit die ik sterk afraad, is het maken van directe kopieën van werk van levende of recentelijk levende kunstenaars (tenzij zij uw klant zijn en ze u de opdracht hebben gegeven om dit te doen) en proberen geld aan hen te verdienen. Dan bevind je je op een heel dun moreel en juridisch ijs (in feite ben je er doorheen gevallen). De copyrightduur varieert van land tot land.
Natuurlijk fotografeer je misschien je eigen kunst om online te delen of te verkopen op eBay. Er is geen zuiverder fotografisch motief dan delen. Het verlangen om te delen zit tenslotte in het hart van de meeste artiesten, ongeacht de grootte van het publiek.
Heb je nog andere tips voor het fotograferen van kunstwerken die je zou willen delen? Doe dit alstublieft in de comments.