Tijdens het surfen door een lijst met fotografen op Google Plus kwam ik eerder dit jaar een foto tegen die mijn aandacht trok. Een jong meisje met roze wangen, grote grote ogen en een serieuze blik op haar gezicht stond tegen een met groen behangen muur gekleed in een felrood jasje terwijl ze een kom met kersen vasthield.
Het beeld was opvallend op veel niveaus - het onderwerp, de kleur, de pose, de stijl van het beeld en wat het op emotioneel niveau opriep, zorgden er allemaal voor dat ik twee keer keek.
De fotograaf was Bill Gekas en een snelle blik door de rest van zijn werk onthulde een aantal prachtige beelden met een aparte stijl en aandacht voor detail.
Vandaag ben ik verheugd om een interview met Bill Gekas te presenteren, evenals enkele van zijn prachtige afbeeldingen. Bill woont in Melbourne, Australië. Bekijk meer van zijn werk op zijn website en blog. Maak contact met hem op Twitter en Google+.
Bill - kun je ons iets vertellen over je overstap van film naar digitale fotografie? Wanneer en waarom heb je de overstap gemaakt?
Mijn overgang van film naar digitaal vond plaats in 2005. Tot dan toe fotografeerde ik voornamelijk zowel positieve als negatieve 35 mm kleuren en deed ik mijn eigen ontwikkeling en doka-printen van 35 mm negatief zwart-wit film. Zo goed als wat traditionele processen destijds waren, de overstap naar digitale opname en nabewerking opende zojuist een hele nieuwe wereld die het proces echt in grote mate vereenvoudigde.
Welke impact heeft deze omschakeling op uw werk gehad?
Dit had de meest positieve impact op mijn werk, waar ik ontdekte dat ik eindelijk de beelden in mijn gedachten kon creëren zonder tijd en geld te besteden aan traditionele processen! Digitale opname vereenvoudigde de workflow tot het punt waarop de tools en workflow nu een transparant onderdeel van het creatieve proces waren en niet in de weg stonden, het voelde in die zin echt bevrijdend en het werd zeer welkom geheten!
Is portretfotografie altijd een belangrijk aandachtspunt geweest bij uw fotografie? Zo niet, waarom is het dan iets waarop u zich tegenwoordig zo veel lijkt te concentreren?
Portretten werd rond dezelfde tijd in 2005 mijn hoofdgenre. Tot dan toe fotografeerde ik echt een beetje van alles, maar na het ontdekken van een aantal fantastische portretwerken van de grote fotografen uit het verleden realiseerde ik me dat de onderwerpen in deze bekende foto's weliswaar compleet waren. vreemden hadden contact met me gehad, de portretten waren griezelig, bijna surrealistisch en toen wist ik dat het portretten zou worden, portretten met een fijne kunstesthetiek en een creatieve flair waar ik historische referenties kon combineren, of het nu licht, rekwisieten of sfeer was met een modernere eigentijdse uitdrukking van het onderwerp.
Je meest recente werk heeft een heel aparte stijl. Ik aarzel om het werk van een andere fotograaf te labelen, maar hoe omschrijf je het?
Deze stijl wordt meestal gedefinieerd als portretkunst voor beeldende kunst en je zult merken dat het de meer openhartige, high-key, gebruikelijke glimlachende uitdrukkingen van personen van moderne portretkunst mist die momenteel in de mode zijn bij veel portretstudio's. Dit is een meer emotionele en creatieve stijl van portretten die een bepaald type publiek aantrekkelijk vindt.
Kun je een beetje met ons praten over wat je tot deze stijl van fotografie heeft aangetrokken?
De emotionele, sfeervolle, bijna surrealistische aard ervan! Het is het soort uitdrukking dat je onderwerp je zal geven en het blijft een beetje bij je lang nadat je de afbeelding hebt bekeken. Ik geloof dat portretten een niveau kunnen bereiken waarop we het beeld niet meer zien maar voelen, en dit komt in wezen neer op de sterkte van de verbinding tussen onderwerp en fotograaf / kijker.
Je werk lijkt me behoorlijk zorgvuldig gepland. Hoeveel werk gaat er in de voorbereiding van uw fotografie? Waar komen de ideeën vandaan en welke stappen merk je dat je doorloopt om het idee tot wasdom te brengen?
Bij dit soort set-up fotografie maak ik meestal de foto voordat ik de opname maak! Wat dit betekent is dat de foto al een paar dagen eerder in mijn gedachten is gemaakt en dan is het gewoon een kwestie van voorbereidend werk. Met deze methode kan ik elk aspect van de opname en nabewerking zo laten uitwerken dat de onderzoeks- en voorbereidingstijd 90% van de tijd die erin zit, kan zijn en de rest 10% van de werkelijke tijd in de opname zelf. .
De sleutel tot het uitvoeren van een shoot als deze is om alles te plannen voordat het onderwerp de scène betreedt, de belichting, rekwisieten, compositie enz. Van gedachte tot voltooide post-processing shot klaar voor weergave kan een typische shot gemiddeld in totaal 8 uur duren.
Veel van de ideeën komen voort uit mijn waardering voor de werken van de oude meesterschilders. Caravaggio, Vermeer, Rembrandt, Raphael, Velazquez etc. Maar ik vind ook veel inspiratie uit het kijken naar buitenlandse films waarin de filmische scènes een prominente rol spelen. Door deze werelden samen te smelten, ontstaat een sfeervol portret.
Natuurlijk roept elke film van Jean-Pierre Jeunet ook inspiratie op om te maken, en ik bewaar altijd een notitieboekje met ruwe schetsen en ideeën van mij.
Welke camera en verlichtingsapparatuur gebruik je voor een typische shoot?
Momenteel fotografeer ik met een Pentax K5 dslr camera en een assortiment Pentax prime lenzen en een 16-45 / 4 zoomlens. Geen specifieke reden om dit merk te gebruiken, behalve het hebben van een aantal oude lenzen uit het verleden die ik nog steeds kan gebruiken op hun nieuwste dslr-behuizingen.
Mijn cameratas is eigenlijk vrij bescheiden in vergelijking met mijn verlichtingszak. De verlichting is de sleutel tot veel van mijn werken en ik bezit veel flitsers, een einstein studiostroboscoop, lichtmodificatoren, reflectoren, rf-triggers enz. De meeste van mijn indoor studiowerk wordt meestal verlicht met een 28 ″ softbox als sleutellicht, soms een tweede flitser met een gridspot bevestigd die naar de achtergrond wijst om deze te verlichten en een witte reflector aan de andere kant van het onderwerp om enkele schaduwgebieden op te vullen.
Bij een buitenshoot gebruik ik meestal maar één licht dat is gemodificeerd door een circulaire modificator, namelijk een middelgrote octabox of een paraplu met een paraplu. Ik probeer ermee weg te komen door flitsers te gebruiken vanwege hun veelzijdigheid en zal de einstein-flitser alleen echt gebruiken als ik de middagzon moet overweldigen.
Kunt u een foto met ons delen die u onlangs heeft gemaakt en ons het idee en de manier waarop u het heeft gemaakt, met ons bespreken?
Rode sjaal (boven) - Deze foto is onlangs genomen in een buitenomgeving, niet ver van waar ik woon. Eigenlijk is het een klein onverharde fietspad dat langs een kreek loopt. Het idee van deze shoot kwam van een soortgelijk type scène die ik niet lang daarvoor in een film zag, het was natuurlijk anders, maar omdat het laat in de herfst, vroege winter hier op het zuidelijk halfrond was, wilde ik het seizoen uitbeelden en dit zou worden bereikt met de achtergrond en selectie van kostuum.
Het grijze jasje en de baret moesten aansluiten op een element in de scène, namelijk het grindpad, het warm gekleurde gebladerte moest het seizoen uitbeelden en het belangrijkste element in de scène is de rode sjaal die onze aandacht trekt naar het aandachtspunt dat is het onderwerp. Soms is het belangrijk om sterke kleuren te gebruiken om onze ogen te tekenen en te verankeren op het belangrijkste aandachtspunt, met dien verstande dat het in de scène werkt en een aanvulling vormt op de andere tinten zonder dat het misplaatst is.
Technisch gezien is dit een simpele opname op f4.0, 1 / 60s halverwege de middag in de volle schaduw. De brandpuntsafstand was 28 mm aps-c, wat ongeveer 42 mm is op een volformaat sensor. Het licht was slechts een enkele flitser op 1/4 kracht, afgevuurd door een witte opname door een paraplu-camera rechts.
Bekijk meer van Bills werk op zijn website en blog. Maak contact met hem op Twitter en Google+.