door Declan O’Neill.
In mijn studententijd moest ik een boek lezen met de naam De spiegel en de lamp door M. H. Abrams. Destijds leek het nogal een saaie lezing over de romantische traditie en literaire kritiek. Het boek stelt dat kunstenaars vóór de romantische beweging de natuur gewoon een spiegel voorhielden. Het was hun taak om nauwkeurig weer te geven wat ze zagen. Met de komst van de romantici veranderde de kunstenaar in iemand die een lamp vasthield om de scène met hun eigen passie en visie te verlichten. Om de een of andere reden ben ik er nooit in geslaagd om dit boek helemaal te vergeten en de ware betekenis ervan kwam pas jaren later naar voren toen ik me begon af te vragen wat ik aan het doen was als fotograaf.
Na vele jaren mijn camera te hebben gebruikt, realiseerde ik me dat de meeste foto's die ik maakte slechts een weerspiegeling waren van de wereld die aan mij werd gepresenteerd. Het was bijna alsof de foto's willekeurig waren gemaakt - een mooie zonsondergang hier, een glinsterende sneeuw daar. Als ik meer dan een spiegel wilde zijn, hoe zou ik dan een lamp kunnen gebruiken om mijn onderwerp te verlichten? Toch sprak het idee dat ik een visionair moest worden met een camera niet aan, omdat ik vind dat beelden op zichzelf zouden moeten staan zonder dat de aanwezigheid van de fotograaf er een schaduw over werpt.
Scan met dank aan Masters of Photography
Toen ik het werk van de fotografen die ik bewonderde bestudeerde, viel één ding op. Ik dacht eerst dat het een zekere dubbelzinnigheid was: ik zou het ene zien en mijn vriend zou iets anders zien. Toen besefte ik dat wat we zagen gewoon de kracht van metafoor was. Het beeld was zo samengesteld dat er ruimte was om het naar onze eigen betekenis vorm te geven. Het was geen spiegel en ook geen lamp. De foto was een cypher waardoor elke kijker deze op zijn eigen manier kon decoderen.
Ik betwijfel of een fotograaf opzettelijk metaforen probeert te creëren, tenzij ze materiaal voor beeldbanken fotograferen. Je kent het soort dingen - een man in een pak die op de top van een bergketen staat met een laptop in zijn hand en naar de zonsondergang kijkt. Metaforen in onze foto's zijn over het algemeen onbedoeld. Als we het hebben over metaforen, zeggen we eigenlijk dat die beelden een betekenis voor ons hebben die verder gaat dan hun onderwerp. Om de rol van metaforen in fotografie te helpen verklaren, moet ik het hebben over schilderen.
Ik ontdekte de schilderkunst voor het eerst toen ik twintig was door de werken van de impressionistische schilders. Ik werd verliefd op de delicate zachtheid van Renoirs vrouwen en de complexe kleuren in Monets landschappen.
Ik vind ze nog steeds leuk, maar ze voldoen niet meer. Toen ik veertig was, ging ik naar een tentoonstelling van Rembrandts zelfportretten in de National Gallery in Londen. Het was een ervaring die mijn kijk op kunst voor altijd veranderde.
De schilderijen brachten Rembrandts veranderende kijk op zichzelf in kaart. Begonnen als een jonge, goedgeklede dandy van in de twintig, ontwikkelden de schilderijen zich op middelbare leeftijd tot pijnlijk eerlijke studies van zichzelf als een oude man. Zijn schildertechniek veranderde van glad en modieus naar ruw, bijna grof. Zijn proces veranderde opzettelijk omdat zijn onderwerp met de jaren grover werd. Op een vreemde manier was zijn techniek een metafoor voor het verouderingsproces dat hij bij zichzelf waarnam.
Het lijkt misschien een lange weg van dit idee naar de kunst van fotografie, maar in werkelijkheid is het dat niet. Veel foto's die ik op internet zie, zijn mooi in de manier waarop impressionistische kunst mooi is. Toch laten ze me verlangen naar meer.
Af en toe zal ik werk zien dat rauw en visceraal is en dat al die verstandige regels overtreedt die we geacht worden te volgen. Het spreekt van een totale betrokkenheid bij het onderwerp, maar meer dan dat, het zet me aan tot het stellen van vragen. Met Rembrandt realiseerde ik me dat ik niet alleen naar een zelfportret keek. Ik keek naar een man die in het reine kwam met zijn eigen sterfelijkheid. Meer nog, het deed me naar mezelf kijken en mijn eigen reis van jeugd naar leeftijd onderzoeken.
Bij sommige foto's zien we dat de afbeelding een verborgen boodschap heeft. Deze afbeeldingen triggeren vaak een interne referentie en ze zullen alleen tegen ons spreken in een taal die we begrijpen. Misschien is het onjuist om over de geheime taal van fotografie te praten. Het is niet zozeer geheim als wel intens persoonlijk. Als fotografen hebben we controle over compositie en techniek, maar dit is nog maar het begin van wat we doen. Ons beste werk biedt vaak betekenislagen die we ons misschien nooit hadden kunnen voorstellen.
Declan O’Neill is een professionele fotograaf die op het Zuidereiland van Nieuw-Zeeland woont.
site: www.newzealandlandscape.com