Holistische fotografie is een manier om de waardering van een kunstenaar voor de visuele wereld te ontwikkelen. Dit wordt bereikt door interactie met uitdagende ideeën en technisch meesterschap van het fotografische vak.
In mijn ervaring als fotografiecoach neigen fotografen naar twee uitersten;
1. Wetenschap
Ik misbruik ‘wetenschap’ om technische expertise en meetbare resultaten aan te duiden. Ambacht is dichterbij, maar populair gebruik vertroebelt de betekenis.
Fotografen die door deze bol worden aangetrokken, zijn meestal gefocust op de ingewikkelde details van hun apparatuur, fotografische regels, nauwkeurige belichtingswaarden en nauwkeurige kleurbalans. Ze zijn erg beschermend voor de hoogtepunten op de foto's en gebruiken ofwel HDR en Photoshop op grote schaal, ofwel nemen ze een ‘niet-manipulatie'-houding aan (en gebruiken ze af en toe film). Digitale ruis is de vijand en scherpte staat hoog in het vaandel; hoewel lenzen met diafragmaopeningen zo groot als f0.95 vaak de voorkeur genieten.
Typische vragen zijn onder meer;
- ‘Hoeveel megapixels heeft uw camera?’
- ‘Welke diafragmawaarde moet ik gebruiken?
- ‘Welke apparatuur heeft u gebruikt om deze foto te maken?’
- ‘Hoe krijg ik scherpere foto's?’
- ‘Is Adobe RGB beter dan ProPhoto RGB voor landschappen?’
2. Art
Fotografen, vaak gesteund door Instagram-bekendheid en Facebook-‘likes’, zijn van mening dat de camera er niet toe doet en dat één prime-lens of superzoom voldoende is. Ze gebruiken meestal voor de hand liggende 'kunst'-filters van Photoshop en samengestelde afbeeldingen. Ze hebben misschien een artistieke achtergrond en geloven sterk in het belang van een goed ‘oog’. Hun foto's hebben meestal een hoger contrast en meer verzadiging.
Ze stellen minder vragen;
- ‘Hoe kan ik de schoonheid van deze scène vastleggen?’
- ‘Wat is de coolste kleur voor lichtschilderen?’
- ‘Hoe krijg ik een wazige achtergrond?’
Daarom trekt de camera de aandacht van de fotograaf of het onderwerp; zelden beide. Holistic Photography wil deze onbalans corrigeren door een structuur aan te bieden, het Kwartet.
1. Het idee:
Foto's zonder een gedachte of gevoel erachter trekken zelden de aandacht. Holistische fotografie verdeelt dit cruciale aspect in twee delen;
- Behoud:
De camera is een geweldig hulpmiddel voor een nauwkeurige weergave van de visuele wereld. Het stelt ons als fotografen in staat om een impressie van een scène of onderwerp vast te leggen, deze vervolgens door de tijd te dragen en over de hele wereld te verzenden. Dit is het rijk van mimesis; laten zien, niet vertellen. Het onderwerp is voldoende en er is weinig creatieve input van de fotograaf; hoewel vaak een enorme vaardigheid met het vaartuig vereist is.
Vroeger bestond veel kunst uitsluitend om een toonbaar simulacrum te creëren van de bezittingen van een patroon; inclusief mensen en dieren. Nu bestaan er normaal gesproken commerciële foto's om te identificeren, te bewaren en te verkopen. Er zijn nog steeds mensen die denken dat behoud alles is wat fotografie is, of kan zijn (en misschien zelfs zou moeten zijn?).
Voorbeelden;
- Paspoortfotografie
- Productfotografie voor catalogi
- Veel landschapsfotografie
- Veel architectuurfotografie
- Veel school- en evenementenfotografie
- Veel studio-, sport-, huisdieren- en ‘familie’ fotografie
- Uitdrukking:
Sommige schilderijen kunnen fotorealistisch zijn en niets zeggen, terwijl andere diep ontroerend kunnen zijn; we zullen ze kunst noemen. Fotografie kan ook een uitstekend medium zijn voor het creëren van kunst met een hoofdletter 'A'.
Expressie in holistische fotografie gaat over de overdracht van een gedachte, idee of gevoel. Eerst en vooral zijn die foto's over het innerlijke leven van de holistische fotograaf en het perspectief van de wereld.
Vaak wordt het onderwerp gebruikt als een symbool of als onderdeel van een palet; de foto gaat niet alleen over de afgebeelde objecten. Wat we weten en geloven, heeft fysiek effect op wat we zien, dus holistische fotografie omvat manieren om het ongrijpbare ‘artistieke oog’ te ontwikkelen.
Ook belangrijk zijn die commerciële foto's die verder gaan dan de rationele weergave en in emotionele inhoud. Een portret zegt meer over het karakter van een oppas dan hoe hij eruitziet. Een auto-advertentie verkoopt een visie op een ander leven.
Voorbeelden;
- Fine Art fotografie
- Conceptuele fotografie
- Abstracte fotografie
- Wat reclamefotografie
- Wat landschapsfotografie
- Wat portretfotografie
- Enkele documentaire en redactionele fotografie
- Wat trouwreportages
2. Het licht:
Licht is cruciaal voor iedereen, en vooral voor fotografen. Licht is redelijk voorspelbaar en dit gedeelte wordt behandeld door de introductie van sleutelprincipes die de holistische fotograaf in staat stellen het ‘juiste’ licht voor de beoogde foto in veel verschillende situaties te identificeren of te creëren. Het proces van naar Licht kijken is verdeeld in drie delen;
- Let op: Onze primaire lichtbron is normaal gesproken de zon of een kunstmatige flits. Dit is het sleutellicht. De andere lichtbronnen en licht dat wordt gereflecteerd door objecten in de scène, zorgen voor vullicht.
We kunnen veel factoren identificeren, zoals de kleurinhoud, intensiteit, duur, karakter en richting van de lichten die op onze scène en ons onderwerp vallen.
Door de fundamentele principes te begrijpen, kunnen we begrijpen hoe we licht kunnen analyseren en hoe we de positionering van ons onderwerp kunnen optimaliseren om er het beste uit te halen. De vraag is altijd: ‘Waar zijn mijn lichtbronnen?’
- Controle: Als we tevreden waren met wat de wereld ons te bieden had, zouden we nog steeds in grotten leven. Hieruit volgt dat het wenselijk is om de verlichting in uw scène te regelen.
Dit kunnen we doen door de reeds aanwezige lichtbronnen aan te passen en te verfijnen, of door meer toe te voegen; meestal kunstmatige flitsen. Reflectoren dienen om licht te weerkaatsen. Zijde kan het verzachten. Gegeleerde verlichting kan het kleuren. Als het budget groot genoeg is, zijn er weinig effecten die de fotograaf niet kan bereiken.
- Gevangen nemen: Deze subsectie biedt normaal gesproken het grootste deel van het materiaal voor een ‘complete’ fotografie-syllabus. Het behandelt hoe de camera reageert op licht, inclusief diafragma, sluitertijd en ISO-gevoeligheid. Het begrijpen van de creatieve toepassing van deze drie variabelen plus filtergebruik wordt benadrukt.
Belichtingsmodi en compensatie worden hier geleerd, samen met het aanpassen van de reactie van de camera op kleur met behulp van de witbalans. Technieken als HDR-beeldvorming en in-camera effecten passen binnen dit gebied.
3. De samenstelling:
Fotografie is een tweedimensionaal medium dat de driedimensionale visuele wereld vertegenwoordigt. Daarom moeten we op trucs vertrouwen om de illusie van diepte en perspectief te creëren. We moeten ook de elementen in onze foto's samenstellen om ervoor te zorgen dat ons onderwerp duidelijk is en dat onze bedoelde betekenis duidelijk is.
Gelukkig is Aesthetics, dat dit beoogt, goed ingeburgerd en zijn er tal van principes waarvan we kunnen leren en die we kunnen toepassen. Compositie is verdeeld in twee delen;
- Bevel: Een camera legt een objectievere indruk van de wereld vast dan onze subjectieve ervaring. Om foto's te maken die ons publiek raken, moeten we daarom profiteren van bepaalde effecten die door de camera worden gecreëerd.
We kunnen bijvoorbeeld het perspectief besturen met behulp van de piramidetechniek die de camerapositie en keuze van de brandpuntsafstand omvat. Naast technieken in de camera, zoals het optimaliseren van de scherptediepte om onze boodschap over te brengen, kunnen we ons onderwerp mogelijk ook binnen de scène richten.
- betekenis: Licht is energie en kleur is onze reactie op overheersende golflengten. Wetenschappelijk bewijs heeft aangetoond dat kleur een fysiologisch en psychologisch effect heeft op mensen. Het begrijpen van kleurenpsychologie wordt behandeld in het gedeelte over Licht, maar de samenstelling van kleuren binnen het kader heeft ook invloed op hun betekenis.
Het begrijpen van symbolen, cultureel of instinctief, geeft de holistische fotograaf de nodige vloeiendheid in de beeldtaal om metaforen en verhalen te creëren.
4. De timing:
De wereld is blijkbaar 4,54 miljard jaar oud. De gemiddelde foto wordt gemaakt in ongeveer 1 / 250ste van een seconde. Waarom zou je een bepaald moment kiezen om de rangschikking van dingen vast te leggen?
Bergen groeien op en eroderen millennia lang, terwijl een wereldtitel winnende jab milliseconden kan duren. Beweging kan op verschillende momenten worden vastgelegd om tegengestelde betekenissen te creëren.
De duur van de belichting heeft ook invloed op hoe beweging wordt weergegeven en kan zelfs worden aangepast om de tijd zelf te ontwennen. Verlichting verandert ook met de tijd, dus het begrijpen van licht vereist aandacht voor tijd. Timing is opgedeeld in twee delen;
- Moment: Cartier-Bresson, de surrealistische straatfotograaf, dacht dat elke scène een ‘beslissend moment’ had waarop alle elementen van de foto tijdelijk samenkwamen om het verhaal van de hele scène te vertellen. Verschillende fotografen zullen verschillende momenten zien omdat hun interpretatie van de scène uniek is.
Er zijn echter enkele nuttige concepten die u moet weten. Onderzoek naar micro-expressies zegt bijvoorbeeld dat de ware emoties van mensen tijdelijk op het gezicht te zien zijn. Hoge snelheid filmcamera's zoals die gemaakt door RED kunnen deze vastleggen. Timing is ook gekoppeld aan compositie; een persoon lijkt anders als ze tijdens het lopen op verschillende momenten worden gefotografeerd. Als hun benen samen worden getoond, lijken ze te treuzelen, en als ze halverwege de pas worden betrapt, zien ze er doelgericht uit.
- Looptijd: Hoe lang is een moment? We leggen echt een tijdsduur vast. De duur die we kiezen, is van invloed op hoe de foto eruitziet; en daarom zijn potentiële betekenis. Foto's van kogels tijdens de vlucht gebruiken supersnelle uitbarstingen van flitslicht om bewegingen te bevriezen die anders onzichtbaar waren voor het blote oog. Omgekeerd vereiste de Ultra Deep Field-foto van sterrenstelsels dat de Hubble-telescoop een sluitertijd van tien dagen gebruikte.
Dit zijn uitersten; op deze foto was de duur dat de foto werd genomen voldoende om de beweging van de arm van de smid te vervagen; maar snel genoeg zodat de rest van de foto er scherp uitziet.
De INs en OUTs:
Los van het kwartet, maar nog steeds belangrijk, kijken deze twee categorieën naar de apparatuur die nodig is om de foto te maken. Ingangen zijn onder meer de camera, lenzen, statieven, verlichtingsapparatuur, filters enzovoort. Uitgangen omvatten afdrukopties, inlijsten, digitale displays, computers, beeldbewerkingssoftware en die koelkastmagneten met de vakantiekiekjes erop.
Dus het kwartet - het idee, het licht, de compositie en de timing - biedt de structuur voor holistische fotografie en de ins & outs brengen ons van opname naar weergave. Je kunt de video over het Holistic Photography Quartet bekijken
Mijn ervaring met het leren van fotografie was als een schilderij van Seurat of een tekening van Rolf Harris; langzaam het grotere plaatje opbouwen vanuit specifieke ideeën en technieken. Holistische fotografie helpt het leren te versnellen en te verdiepen door eerst met de volledige omtrek te beginnen en vervolgens het materiaal aan te bieden waarmee het individu zijn eigen unieke vaardigheid en visie kan ontwikkelen en eerder geleerd materiaal met elkaar kan verbinden.
Fotografie heeft me een diepe waardering gegeven voor de wereld die ik me niet eens kon voorstellen toen ik begon. Behalve een manier om te bewaren, is het ook een manier geworden om te zien, te begrijpen en uit te drukken; die zich blijft ontwikkelen. Dit is waarom ik holistische fotografie heb gemaakt - om mijn eigen vooruitgang te helpen en het proces met anderen te delen. Ik hoop dat het nuttig is.
