Er is een zenuwslopende gemeenschappelijke eigenschap onder fotografen, beeldmakers, fotomensen, enz. Soms vergeten we dat de reden dat we toegang hebben tot zulke geweldige uitrusting en technieken, is dat degenen die ons voorgingen, ze hebben ontdekt, geoefend, vooruit hen, en liet ons vervolgens een erfenis van kennis na. Hoe verder we teruggaan in de geschiedenis van de fotografie, des te meer wordt deze apathie. Wat moet je leren van iemand die een camera gebruikte die minder geavanceerd was dan een garagedeuropener? Het blijkt dat we veel kunnen leren. Misschien niet vanuit technologisch oogpunt, maar eerder op een meer ongrijpbare manier die moeilijker te waarderen is en gemakkelijk te missen.
Dit wil niet zeggen dat je je fotografie niet kunt verbeteren door de methoden van sommige meesters te bestuderen. Hun uitrusting was gevarieerd en minder geavanceerd, maar dat maakt hun werk alleen maar buitengewoon en hun vaardigheid nog nederiger.
Henri Cartier-Bresson
Afbeelding door Gertrude Käsebier
Zelfs als de naam niet een belletje doet rinkelen in je geheugen, is de kans groot dat je zijn werk waarschijnlijk ooit hebt bekeken. Hij was letterlijk de uitvinder van de fotojournalistieke stijl… laat dat even bezinken. Vóór Cartier-Bresson was echte straatfotografie zoals we die kennen en 'stillevenreportage', zoals hij het noemde, geen goed geoefende of gevalideerde vorm van fotografie.
Cartier-Bresson, geboren in een relatief goed geplaatste Franse familie uit de hogere klasse in 1908, was, zoals zoveel bekende fotografen, niet van plan om zo te zijn. Schilderen was zijn grootste bezigheid voordat hij een camera oppakte. Dat veranderde allemaal in 1931 toen hij een foto zag die gemaakt was door de Hongaarse fotograaf Martin Munkacsi. Het was een afbeelding van drie jonge jongens in de branding van een meer in Afrika. Cartier-Bresson zei dat hij "niet kon geloven dat zoiets met een camera kon worden vastgelegd" en dat hij "plotseling begreep dat een foto de eeuwigheid in een oogwenk kon fixeren." De foto bracht hem ertoe de schilderkunst op te geven en foto's te gaan maken. Hij was een grondig schrijver van de spontaniteit van de menselijke ervaring. Er is veel dat u kunt leren van Henri Cartier-Bresson om alle aspecten van het maken van foto's te verbeteren.
Lessen die u kunt leren van Henri Cartier-Bresson:
Probeer onzichtbaar te zijn
Als je als fotograaf werkt, duurt het niet lang voordat je begrijpt dat mensen de neiging hebben drastisch te veranderen zodra ze beseffen dat ze worden gefotografeerd. Hun maniertjes, uitdrukkingen en uiterlijk worden allemaal merkbaar anders. Opvallendheid steelt het realisme heel snel als je niet oppast. Cartier-Bresson begreep dit en vormde zichzelf in een soort fotografische ninja. Hij fotografeerde met relatief kleine camera's, meestal Leica 35 mm afstandsmeters. Je moet begrijpen dat de meeste fotografen van zijn tijd grotere camera's gebruikten die praktisch schreeuwden: "Hé, ik maak een foto van jou !!!" Door anonimiteit kon hij de essentie van elke scène vastleggen op een rauwe en onopvallende manier.
Cartier-Bresson ging zo ver dat hij alle glanzende oppervlakken van zijn uitrusting met zwarte verf bedekte om zijn voetafdruk als fotograaf nog verder te verkleinen. U wilt misschien niet zo ver gaan, maar het zal u helpen om betere beelden vast te leggen als u zich in uw omgeving voegt. Plan uw sessies op een praktische manier. Neem niet meer spullen mee dan u nodig heeft en blijf onopvallend. Probeer te wachten tot u klaar bent om een opname te maken voordat u uw camera omhoog klapt. Oefen met het gebruik van de bedieningselementen van uw camera en onthoud de plaatsing ervan. Vermijd ook het gebruik van een flitser als deze waarschijnlijk interfereert met uw onderwerp. Cartier-Bresson gebruikte vermoedelijk nooit een flitser voor zijn afbeeldingen, omdat hij ze als onbeleefd en afleidend beschouwde. Fotografie, vooral fotojournalistiek, is afhankelijk van de oprechte opname van het leven in al zijn schoonheid, en helaas van de incidentele ellende. Probeer het letterlijk echt te houden.
Componeer in camera
Ik weet het. Je hebt dit waarschijnlijk al eerder gehoord en bent waarschijnlijk het zat om die zin naar je toe te slingeren. Ik begrijp je pijn. Ik rolde altijd met mijn ogen als een doorgewinterde fotograaf of goedbedoelde schrijver het had over het belang van het goed doen in de camera. Laten we hier echt zijn. Het is zo gemakkelijk om een afbeelding op de computer bij te snijden in plaats van de zoeker van de camera te gebruiken. Het is zoveel handiger om een minder dan correct belichte afbeelding te redden dan na te denken over uw diafragma- en sluitercombinaties.
Het nabewerken van foto's is iets geweldigs. Het is echter niet altijd ideaal om een foto volledig te veranderen. Cartier-Bresson was absoluut anti-fotomanipulatie en vond dat elke foto in de zoeker moest worden bijgesneden voordat deze werd vastgelegd. Bijna al zijn foto's werden full-frame afgedrukt en bevatten zelfs ongeveer een millimeter van het onbelichte negatief, zodat zijn voltooide afdrukken een dunne zwarte rand hadden om de afwezigheid van bijsnijden verder te bewijzen.
Elk beeld is zo goed als de ingrediënten die erin zijn verwerkt. Dus probeer de best mogelijke ingrediënten in je werk te stoppen, zodat je eindproduct iets is dat je met trots kunt laten zien en zegt: "Ik heb dit gemaakt".
Concentreer u evenveel op de kunst als op de wetenschap
Wat we als fotografen doen, zou in een vroegere tijd als magie zijn beschouwd. Zelfs op het basisniveau is het een verbazingwekkende wetenschap. We nemen licht op dat volkomen uniek en vluchtig is. U zult nooit twee keer exact dezelfde foto maken. De wetenschap van het maken van afbeeldingen is een essentieel onderdeel van ons creatieve proces, maar mag nooit als het enige onderdeel worden beschouwd.
Verrassend genoeg toonde Cartier-Bresson bij meerdere gelegenheden zijn bijna volledige gebrek aan interesse in het meer technische deel van het maken van foto's. Het ontwikkelen en afdrukken van zijn negatieven, acties die zo zorgvuldig werden gecontroleerd en bewaakt door de meest serieuze fotografen van die tijd, waren alleen geldig voor hem in de gevallen waarin ze een effectievere uitdrukking van zijn visie mogelijk maakten. Hij zag de camera als een hulpmiddel en ontwikkeling en afdrukken als slechts een middel om een langverwacht doel te bereiken. Hij zei: "mensen denken veel te veel na over technieken en niet genoeg over zien".
U kunt uw richting verliezen tijdens het maken van een afbeelding. Soms laten we technisch perfectionisme onze oorspronkelijke visie overschaduwen. Een grondige kennis van je uitrusting is essentieel om te groeien als fotograaf. Zoals Cartier-Bresson ons vertelt, moet u zich echter niet zo concentreren op uw gereedschap dat u uw vak vergeet.
Alfred Stieglitz
Alfred Stieglitz werd op 1 januari 1864 in deze wereld geboren en verliet de wereld op 13 juli 1946. Al het andere dat ik je kan vertellen over de impact van het leven van de mens op de wereld van fotografie en creatieve kunst zal ongelooflijk tekort schieten. van dankbaarheid zijn we hem als fotografen verschuldigd. Dat is geen overdrijving. Vóór Stieglitz werd fotografie niet beschouwd als een vorm van artistieke expressie. Er waren geen echte fotografiescholen, en het werd zeker niet beschouwd als een hoge kunst op het gebied van schilderkunst en beeldhouwkunst. Stieglitz gaf kunstenaars een uitlaatklep om hun werk aan het publiek te tonen, en was de katalysator die de carrière van vele gevierde kunstenaars hielp beginnen, waaronder de schilderijen van Georgia O'Keeffe en de legendarische foto's van de grote Ansel Adams. Stieglitz stond altijd open voor nieuwe technieken en innovatief denken over kunst.
Zijn werk is bijna een eeuw uit onze tijd verwijderd en veel van de technische mechanismen die hij gebruikte, zijn nu achterhaald. Toch is er veel inzicht te verkrijgen van Alfred Stieglitz en zijn bijdragen. We kunnen leren van zijn benadering van de kunstwereld als geheel, om onszelf als fotografen te verbeteren.
Lessen die u van Alfred Stieglitz kunt leren:
Druk jezelf uit wanneer je kunt
Stieglitz heeft een serie afbeeldingen gemaakt met de naam "Equivalents". Het is een verzameling foto's die verschillende wolkenformaties laten zien. Elk beeld was een zelfreflectie van de gedachten, emoties en ervaringen die hij voelde op het moment dat het frame werd blootgelegd. Dat maakte elk beeld uniek voor alleen hem. Hij was de enige die echt begreep hoe hij zich voelde tijdens elke ontspanknop. Dus ga erop uit en fotografeer iets waar je blij van wordt. Deel het met anderen als je wilt, of bewaar het gewoon voor jezelf. Ga en maak foto's van iets dat alleen maar mooi of betekenisvol voor je is. De handeling op zich is erg bevrijdend.
Deze plek heeft alleen voor mij een speciale betekenis. Ik heb deze foto voor mezelf gemaakt en voor niemand anders.
Je denkt misschien "Ik druk me uit met al mijn werk", maar denk er even over na. Maak je wel eens een foto en bedenk je meteen hoe die door andere mensen geaccepteerd of afgewezen kan worden? Deel je soms een beeld waarvan je persoonlijk denkt dat het uitstekend is, maar dat niemand anders lijkt te geven? We hebben het allemaal vaker gedaan dan we misschien gemakkelijk toegeven.
Breek de regels als je wilt
Simpel gezegd, elke foto die ooit is gemaakt, is het resultaat van een combinatie van de volgende variabelen: grootte van diafragma, sluitertijd, scherptediepte, brandpuntsafstand, gevoeligheid van de beeldontvanger en compositie (film, digitale sensor, ect) en dat is alle. De sleutel tot het maken van een geweldige afbeelding is door al die stukjes zo in elkaar te zetten dat ze datgene wat alleen in je eigen geest zichtbaar was, omzetten in een foto. Dat zijn de enige ijzeren regels in de fotografie. Uiteindelijk ben jij het die de keuzes maakt en de camera bedient.
Wees niet bang om buiten de gebaande paden te denken!
Echt geweldig werk is het resultaat van een stap buiten de mainstream. Er zijn veel verbluffende afbeeldingen die de regel van derden, leidende lijnen, horizonten, enzovoort, volledig negeren. Schuif richtlijnen nooit helemaal opzij, maar overtuig uzelf er ook niet van dat u er ook permanent aan gebonden bent. Het leren en oefenen van de geteste en bewezen bouwstenen van sterke fotografie zullen je enorm helpen. Bedenk dat baanbrekend werk vaak voortkomt uit het ombuigen van regels.
Zoek overal inspiratie
Stieglitz promootte alle kunstvormen. Hij opende galerijen om de werken van schilders, beeldhouwers en natuurlijk fotografen te tonen. Hij beperkte zich niet alleen tot fotografie, of schilderkunst of tot werken van steen en klei. In plaats daarvan dronk hij het allemaal op. Hij herkende dat het allemaal in elkaar verstrengeld was.
Als fotografen zijn we in staat om vrijwel onmiddellijk te projecteren wat andere kunstenaars soms dagen, weken of zelfs maanden nodig heeft om te creëren. Dit relatieve gemak van creatie kan echter geleidelijk oogkleppen op ons creatieve denken plaatsen. We kunnen een punt bereiken waarop we alleen ter inspiratie naar andere foto's kijken. Dat soort denken beperkt onze reikwijdte als kunstenaars. Deze mentaliteit is vooral gevaarlijk voor nieuwe fotografen en kan leiden tot frustratie, teleurstelling en erger nog, emulatie die uitmondt in plagiaat.
Laat jezelf geen artistieke tunnelvisie hebben. Begin overal inspiratie te zoeken om je fotografie van brandstof te voorzien. Zwart-wit schetsen, schilderijen, houtsnijwerk, architectuur, vingerverven voor kinderen - alles heeft het potentieel om je een vleugje creativiteit te geven die je kunt omvormen tot fotografische inspiratie. De waarheid is dat je echt nooit weet wat je zal inspireren.
Deel uw vragen en opmerkingen hieronder. Heb je eerder van deze twee meesters gehoord? Hebben ze je fotografie beïnvloed?